¡Muy buenas a todos y bienvenidos a la que será la última lección de canto de Emevocalcoach! Con esta lección número 20 quiero poner el broche de oro a una serie de artículos que espero hayan ayudado a todos aquellos que me habéis acompañado a lo largo de los ya casi dos años desde que empecé este proyecto. Pero como solía aconsejar el Chapulín Colorado en situaciones difíciles: “Calma, calma, y que no panda el cúnico”. Los que pertenezcan a mi generación sabrán de lo que hablo.

           Hoy quiero hablaros sobre un tema que marcó un antes y un después en mi carrera como cantante. Esto no es otra cosa que lo que yo llamo: el canto sin esfuerzo o por sus siglas “CSE”. Cuando observamos los conciertos de buenos vocalistas hay algo que siempre nos llama la atención; la facilidad con la que realizan proezas increíblemente difíciles. Aquí voy a daros las principales claves para lograrlo. Vamos a ello:

• CLAVE nº 1: El diafragma. Es innegable que tener un diafragma entrenado es un factor determinante para lograr el canto sin esfuerzo. Igualmente importante resulta que este trabaje conjuntamente con las cuerdas vocales, de forma que alcancemos lo que muchos profesionales denominan “el equilibrio glótico” gracias al cual no volveremos a sentir la sensación de tener que empujar las notas para que salgan.

• CLAVE nº 2: La compresión. Entendamos la compresión como el grado de cierre de las cuerdas vocales, el cual nos permitirá, como he comentado en el párrafo anterior, descargar de responsabilidad al diafragma y permitirnos cantar con mayor libertad y menos esfuerzo.

• CLAVE nº 3: La colocación. Dónde colocamos el sonido es otro de los factores más determinantes a la hora de sentirnos cómodos y capaces de cantar lo que nos echen. Una voz bien proyectada nos proporciona la sensación de tener el control absoluto sobre nuestro instrumento y de poder seguir cantando durante horas.

• CLAVE nº 4: Ausencia de Passaggio. Si movernos por nuestra tesitura conlleva estar pendientes de esquivar o camuflar nuestras notas de paso entre los diferentes registros, nos va a resultar imposible cantar relajados. El mejor consejo que puedo daros es que integréis las notas de paso dentro de vuestro rango vocal hasta el punto de llegar a perderlas de vista.

• CLAVE nº 5: El bloqueo. Ya he hablado mucho sobre este tema así que no voy a repetirme. En lugar de eso, voy a dejaros un enlace al artículo en cuestión en el que hablo largo y tendido sobre el tema. Para verlo ¡Por favor, pincha aquí!

• CLAVE nº 6: La auto-escucha. La sensación de oírnos correctamente a nosotros mismos juega un papel fundamental a la hora de evitar el sobreesfuerzo.  Mi consejo es que ensayéis en lugares con una buena acústica o, en su defecto, uséis micrófono y auriculares o in-ears. Así conseguiremos ajustar al máximo el volumen y el esfuerzo. No os imagináis hasta qué punto puede llegar a ser esto de importante.

• CLAVE nº 7: Cada nota en su registro. Otro punto a tener en cuenta es no forzarnos a cantar notas en un registro que no le pertenece. Hacerlo resulta agotador para nuestro cuerpo y la mayoría de las veces se traducirá en una tendencia a gritar las notas en lugar de cantarlas. Recuerda cantar las notas de tu registro de pecho con voz de pecho, las mixtas con voz mixta y las de cabeza con voz de cabeza.

• CLAVE nº 8: La tensión. Cuidado con estirar el cuello para llegar a los agudos, bajar la cabeza para alcanzar los graves, contraer los hombros para proyectar el sonido, etc. Todos los movimientos que nos generen tensión jugarán en nuestra contra y, por ende, en contra de nuestra voz.

• CLAVE nº 9: El espacio. A veces queremos sonar más agresivos o más potentes y para ello aumentamos el esfuerzo, el volumen o el apoyo del diafragma. Pero la realidad es que el cuerpo o la potencia del sonido no están ligados al esfuerzo sino al espacio. Cuanto más espacio haya en nuestra boca, en nuestra garganta y en los resonadores mas grande y potente sonará nuestra voz.

           Y esto ha sido todo chicos. No puedo despedirme sin daros las gracias a todos aquellos que habéis estado ahí, acompañándome mes a mes desde 2015. Ha sido un auténtico placer para mí haberos ayudado con esta serie de lecciones y desde aquí os animo a buscar un profesor de canto con el que os sintáis a gusto y continuéis vuestros estudios de canto hasta haber logrado vuestras metas. Se despide atentamente un servidor. ¡Un abrazo fuerte a todos y hasta la vista!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Hoy quiero daros mi punto de vista sobre por qué algunas personas parecen haber nacido para cantar mientras que otras necesitan años y años de duro entrenamiento para alcanzar los mismos resultados. ¿Qué diferencia a una personas de otras? O, como seguro estaréis pensando algunos… ¿Por qué la vida es tan injusta? Vamos a intentar darle respuesta a estas preguntas.

           Para entender esta cuestión lo primero que tenemos que conocer es un concepto denominado: “aprendizaje vicario”. El aprendizaje vicario u observacional está basado en una situación dada formada por dos sujetos; el sujeto A que demuestra una habilidad determinada y el sujeto B que realiza la observación de dicha habilidad; esta observación determina el aprendizaje, a diferencia del aprendizaje por conocimiento al que todos estamos acostumbrados. Desde niños aprendemos de observar a otras personas y ésta es la base del aprendizaje vicario, observar a otros e imitarlos. Sin embargo, no todas las personas son capaces de observar y reproducir con la misma eficacia.

            La gran mayoría de las personas que consideramos “cantantes natos” o esas otras que saben cantar y se enorgullecen de no haber recibido ni una sola clase de canto en sus vidas, son personas que cumplen dos requisitos; El primero es que poseen una gran habilidad para la observación y la imitación, los dos pilares fundamentales del aprendizaje vicario. Y el segundo es que, normalmente influenciados por familiares cercanos o amigos, han tenido la suerte de observar a los artistas adecuados, es decir, cantantes con una buena técnica vocal de los cuales han podido nutrirse de sus virtudes y conocimientos en lugar de vicios y defectos, como a muchos otros les ha ocurrido.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Hoy quiero daros mi opinión acerca de un tema del que suele hablarse mucho entre los aficionados al canto; “cantar con la garganta”. ¿Qué es cantar con la garganta? ¿Y por qué no debe hacerse? Vamos a aclarar esto.

          Muchos pensareis que si las cuerdas vocales se encuentran en la “garganta” (NOTA: lo llamamos “garganta” por aludir al término más extendido pero no olvidéis que en realidad nos estamos refiriendo al conjunto formado por la laringe y la faringe) y para cantar necesitamos usar las cuerdas vocales… ¿Cómo no vamos a cantar con la garganta? Y llevaréis toda la razón. Es absurdo pensar que podemos cantar sin utilizar la garganta, igual que absurdas son expresiones como “cantar con el estómago” y otras similares.

          Sin embargo, hoy quiero contaros de dónde viene esta expresión y qué hay de cierto en ella. Imaginemos la “garganta” como un tubo por el que pasa el aire y a través del cual transformamos el aire en sonido. De acuerdo a esta definición, la función de la “garganta” es muy concreta y no requiere de ningún tipo de acción ni esfuerzo por nuestra parte. El problema viene cuando a ésta le añadimos otras función que deberíamos realizar en otras zonas o con otras partes de nuestro cuerpo como pueden ser los resonadores o el diafragma. Veamos pues las dos principales causas de “cantar con la garganta”:

• Utilizar la “garganta” como resonador principal: Como ya os he explicado anteriormente, las cuerdas son muy delicadas y si, en lugar de utilizar nuestros resonadores, resonamos nuestra voz muy cerca de estas, nuestras cuerdas vocales van a resentirse. Ésta suele ser una de las causas más habituales de disfonía y afonía que encuentro entre mis alumnos y, a su vez, un claro ejemplo de uso incorrecto de la “garganta” durante el canto.

•  Utilizar la “garganta” para aumentar la presión del aire: Cuando pedimos a nuestro cuerpo que alcance una determinada nota aguda, también le estamos pidiendo que el aire que pasa por nuestras cuerdas vocales lleve una determinada velocidad pero… ¿qué pasa si las cuerdas se encuentran abiertas y no utilizamos el diafragma para dotar al aire de esa potencia? Pues que nuestro cuerpo se verá en la obligación de cerrar la “garganta” para conseguir la presión que necesita reduciendo el hueco por el que tiene que pasar dicho aire. Podría parecer que son dos formas distintas de conseguir un mismo resultado (y así sería si el cierre cordal se produjera de forma apropiada), pero de este modo, nuestra garganta se adjudica una función que claramente no le corresponde y nuestras pobres cuerdas vocales pagan las consecuencias.

           Confío en que ahora entendáis de dónde viene la expresión “cantar con la garganta” y cuánto hay de verdad en ella. Esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos y feliz año nuevo! Este mes quiero pararme a explicar un punto del que parece que existen muchas dudas. Ya he hablado en anteriores artículos sobre la importancia de la respiración diafragmática, de qué se compone y cómo reconocerla. Si no sabéis de qué estoy hablando, antes de leer este artículo ¡por favor, pinchad aquí!  Ahora sí, podemos comenzar.

           Al contrario de lo que ocurre con la respiración intercostal o lumbar, las cuales se realizan automáticamente con sólo enviar el aire a la base de los pulmones, en la respiración abdominal podemos encontrarnos con varios problemas. El más importante de ellos es el que se conoce como “bloqueo abdominal”. Explicaré esto, el bloqueo abdominal se produce cuando, durante el proceso de espiración, los músculos abdominales se tensan creando una barrera que impide el correcto apoyo inferior de la respiración diafragmática. Para entender esto es necesario conocer las tres fases de las que se compone la respiración abdominal así que vamos a ello:

• Fase de Expansión: Cuando realizamos una inspiración diafragmática, la base de los pulmones se hincha y el diafragma desciende. Esto provoca que los intestinos bajen a su vez y empujen a los abdominales hacia delante, provocando el famoso efecto de “sacar barriga”. Durante el inicio de una frase, tras atacar la primera nota que vamos a cantar, es necesario hacer un esfuerzo por nuestra parte para mantener esta expansión hasta que hayamos agotado aproximadamente un tercio de nuestro aire.

• Fase Neutra: Una vez hemos agotado ese primer tercio, nuestra barriga irá contrayéndose hasta alcanzar una posición relajada o neutra. Llegados a este punto habremos agotado aproximadamente dos tercios de nuestra capacidad pulmonar y es en este preciso momento en el que puede producirse el bloqueo abdominal del que hemos hablado.

• Fase de Contracción: Antes de nada me gustaría aclarar que esta fase no existirá a menos que nuestros abdominales estés relajados y no hayamos sucumbido al temido bloqueo. Llegados a este punto, nuestra barriga deberá contraerse realizando un movimiento ascendente que resultará de gran ayuda a nuestro diafragma en su tarea de expulsar el último tercio de aire útil que nos queda en los pulmones.

            Es por tanto tarea del cantante, asegurarse de estar relajado durante la interpretación de los temas y procurar que los abdominales se muevan  con libertad y no condicionen la movilidad de nuestro diafragma.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Hoy quiero dejaros una pequeña reflexión sobre lo difícil que puede resultar a veces dividir nuestra atención entre el aspecto técnico y el artístico del canto.

           Pongámonos en situación. Finalmente ha llegado el día; han pasado cuatro, cinco o seis años y, tras mucho sacrificio, por fin hemos conseguido dominar las técnicas necesarias para cantar el género de música que ha logrado ponernos la piel de gallina desde que tenemos memoria. Sin embargo, algo falla. Nos damos cuenta de que, aunque lo hacemos todo correctamente, al público no le llega. Nuestra voz no respalda nuestras palabras y a pesar de todo el tiempo que hemos invertido, no somos capaces de hacer sentir a nuestros oyentes lo que nuestros ídolos lograron transmitirnos a nosotros. ¿Qué puede haber salido mal?

           Cuando empezamos a estudiar canto nos explican el funcionamiento del diafragma, nos piden que enviemos la voz a los resonadores, que tengamos cuidado con el passaggio, que elevemos el paladar blando y un sin fin de aspectos técnicos que convierten el acto de cantar en una tarea, a priori, sólo ligeramente más sencilla que pilotar un Boeing 747. Como resultado, son muchos los cantantes que no vuelven a prestar atención a cosas tan importantes como la interpretación, la energía o la emoción que debe transmitirse al cantar.

           Como en multitud de ocasiones les he comentado a mis alumnos, el canto es un arte técnico y, como tal, se compone de un 50% de arte y un 50% de técnica. El problema viene cuando descubrimos que nuestra salud vocal se basa en el aspecto técnico y no en el artístico del canto. Como suele decirse: “la salud es lo primero” y sin darnos cuenta nos olvidamos de transmitir, de vibrar y de emocionarnos con la música… ¡no dejemos que esto suceda!

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Aprovechando que estamos en Halloween, hoy quiero hablaros sobre los miedos de los cantantes. Para ser más concreto, del fantasma que más nos asusta dependiendo de si somos hombre o mujer: la voz de cabeza masculina y la voz de pecho femenina. ¡Vamos a ello!

• La voz de pecho femenina: Es muy común entre las chicas que vienen a mis clases el tenerle miedo a utilizar su voz de pecho. Ellas suelen estar acostumbradas tanto a hablar como a cantar muy bajito, con una voz suave, susurrada y dulce y tan sólo pensar en algo tan simple como producir un sonido potente y agresivo les parece impensable. Esto suele acarrearles problemas como molestias vocales provocadas por el exceso de aire, cansancio, incapacidad para mantener frases largas, dificultades interpretativas en determinados estilos y un largo etcétera.  La solución no siempre es fácil ya que, en ocasiones, este problema está relacionado por una falta de seguridad en sí mismas y el temor a que si cometen un fallo se oiga más fuerte. Por ello debe trabajarse este aspecto paralelamente a la técnica vocal si se quieren obtener resultados. Por último aclarar que aunque es lo más común, no únicamente las chicas pueden tener este problema y, del mismo modo, no por ser mujer vas a padecerlo.

• La voz de cabeza masculina: En el lado opuesto se encuentra el caso de los chicos. A diferencia de ellas, estos suelen utilizar la voz de pecho para casi todo y, debido a la relación que guarda nuestra voz con aspectos socioculturales como la virilidad y la hombría, nos hemos encargado con el paso de los años de volverla cada vez más oscura, profunda y varonil. Como es normal, esto choca completamente con los primeros intentos de voz de cabeza, que suelen tener un sonido femenino, débil y aniñado. Al igual que en el caso anterior, la ausencia de voz de cabeza en nuestro registro nos ocasiona todo tipo de problemas como son la limitación en nuestro rango vocal, incapacidad para cantar a bajo volumen, acabar gritando las notas altas y, de nuevo, un largo etcétera. A los chicos les suele costar incluso más aceptar su voz de cabeza que a las chicas su voz de pecho y la mayoría de las veces ni siquiera creen que sea posible utilizar la voz de cabeza más allá de para cantar una frase en falsete. Del mismo modo, este problema tampoco es exclusivo de los chicos y tampoco por ser chico tienes que sufrirlo.

           Nadie pone en duda que vaya a ser difícil, ni que no vaya a requerir horas de ensayo y esfuerzo por vuestra parte. Lo que os puedo garantizar es que todos poseemos ambas voces y que el dejar de tenerles miedo y aceptarlas como otra zona más de nuestro registro vocal es el primer paso para dominarlas.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Este mes quiero hablaros sobre un tema del que he visto que existen muchas dudas; el vibrato. El vibrato es esa oscilación del tono que podemos observar en la mayoría de estilos, normalmente mientras se mantiene una nota sostenida, aunque esto no siempre es así. Hay cantantes a los que les gusta vibrar la voz siempre y otros que, por ejemplo, tan sólo lo incluyen al final de las frases largas. Además, el vibrato puede producirse a distintas velocidades, todo esto va un poco al gusto del artista. Sin embargo una cosa debe quedar clara: el vibrato debe ser en todo momento algo consciente, un efecto que debemos saber poner y quitar de nuestra voz a voluntad. Ahora sí, vamos a hablar de las formas más comunes de producir este efecto vocal.

• Vibrato de mandíbula: Consiste en emular el sonido del vibrato mediante un ligero movimiento de la mandíbula. Además de resultar bastante extraño a nivel estético, el buen hábito de mantener la mandíbula relajada durante la fonación se hace imposible con esta técnica, provocando tensiones en la cara y el cuello.
• Vibrato de cuerda vocal: Con total seguridad, este es el tipo el vibrato más incorrecto y perjudicial que vamos a encontrarnos. Se consigue mediante la apertura y cierre de las cuerdas, produciendo un sonido parecido al balido de una oveja. Parece imposible, pero hay cantantes que, en un acto de virtuosismo, son capaces conseguir que este vibrato suene bien.

• Vibrato diafragmático o por oscilación del volumen (trémolo): Al llevar intrínseca la palabra “diafragma” en el nombre, muchos pensarán que esta técnica de vibrato es correcta, pero lo cierto es que no lo es. Aún siendo mucho menos perjudicial para nuestra técnica vocal que el vibrato de mandíbula, el vibrato diafragmático también tiene sus inconvenientes. Este vibrato se consigue realizando rápidos golpes de diafragma mientras mantenemos una nota sostenida. Como resultado, dicha nota comenzará a tener oscilaciones de volumen, resultando en un efecto de vibración en la voz muy parecida al vibrato convencional. Pero, como os expliqué al principio, el vibrato debe ser el resultado de una oscilación del tono no del volumen. Además de esto, este tipo de vibrato carga a nuestro diafragma con una responsabilidad extra… ¡como si no tuviera suficiente ya el pobre!

• Vibrato por oscilación del tono: Y por fin llegamos al vibrato que personalmente considero el correcto. Para realizar este vibrato, tan solo vamos a necesitar estar libres de tensiones y realizar pequeñísimas subidas y bajadas en el tono que queremos vibrar. Soy consciente de que resulta más fácil de decir que de hacer, pero todo el mundo será capaz de conseguirlo con un poco de práctica, no me cabe duda. Debéis tener especial cuidado con nos oscilar demasiado el tono, ya que este podría convertirse en un trino.

           Para acabar me gustaría destacar dos técnicas fundamentales para lograr el vibrato por oscilación del tono sin demasiados quebraderos de cabeza. La primera y más evidente es por imitación. Al igual que harías con cualquier otro adorno, escoge un canción que posea un vibrato claro y esté situado en una nota cómoda e intenta imitar al cantante lo más fielmente que puedas. Si esto no resulta, puedes optar por este ejercicio: Coloca un metrónomo a 60 bpm. Luego intenta realizar un vibrato en cada golpe, te será muy fácil. Cuando ya te salga, aumenta la cantidad a dos vibratos por cada golpe, siempre sin perder el ritmo. Continúa aumentando la cantidad de vibratos hasta llegar a cuatro. Cuando lo consigas puedes subir la velocidad del metrónomo. Con este sencillo ejercicio lograrás tu vibrato en unas pocas semanas, garantizado.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un abrazo y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Este mes Eme Vocal Coach cumple su primer añito y con motivo de ello he querido obsequiaros con una lección muy especial. Lo que leeréis a continuación es una lista titulada originalmente “Top Ten Singing Tips” escrita por el reconocido vocal coach americano Justin Stoney. Dicha lista recoge los que son, en su opinión y también en la mía, los mejores consejos que puede recibir un estudiante de canto. Al enunciado principal de cada posición de la lista, he considerado oportuno añadir una pequeña descripción dando mi opinión personal sobre el punto en cuestión. Dicho esto sólo me queda daros las gracias por vuestro apoyo durante este fabuloso primer año y dar el pistoletazo de salida al primero de los consejos. ¡Vamos a ello!

10 – Domina tu técnica de respiración diafragmática. ¿Qué más puedo decir sobre esto que no haya dicho ya en el resto de mis artículos? Pues eso, nada. Pasemos pues al siguiente punto.

9 – Desarrolla todos tus registros vocales. O lo que es lo mismo: conoce y explota tu tesitura al completo. No te conformes con utilizar sólo una pequeña fracción de esta y libera tu potencial. ¿A qué esperas?

8 – Coordina la altura de tu laringe y de tu paladar blando. Sus diferentes posiciones modelarán el sonido de nuestra voz permitiéndonos variar entre distintos estilos musicales desde el punto de vista vocal.

7 – No aumentes el volumen para subir de nota.  ¡Ay amigo! A todo cerdo le llega su San Martín y el famoso “a mayor nota, mayor volumen” no iba a ser menos. Para romper con esta tendencia deberemos sustituir la potencia por compresión vocal, aquellos que asistís a mis clases sabéis a lo que me refiero. Para el resto, no os preocupéis, trataré este tema en futuros artículos.

6 – Identifica las tensiones y elimínalas. En algunas personas se producen en el cuello, en otras en la mandíbula, en otras en el abdomen, etc. Indistintamente de donde se encuentren, deberemos localizarlas y liberarlas. Para agilizar este proceso siempre recomiendo cantar delante de un espejo.

5 – Perfecciona el uso de los resonadores. Esto se traduce en trabajar tu técnica vocal hasta lograr una resonancia de cabeza con el sonido más alto y brillante posible y una resonancia de pecho con el sonido más profundo y proyectado.

4 – Sé fiel al sonido de las vocales. Todos hemos escuchado a un cantante convertir las “i” en “e” o las “a” en “o” en pos de no perder la correcta colocación del sonido. No voy a negar que yo también he utilizado este recurso y lo considero una herramienta excepcional durante el aprendizaje pero, de cara a un uso profesional de la voz, esta ayuda debería no ser necesaria.

3 – No te limites a cantar, ¡interpreta! Como siempre le digo a mis estudiantes, el canto es un arte técnico. Esto quiere decir que cuando eliminamos o reducimos en exceso alguno de los dos elementos de la ecuación, el resultado final se resiente ¡y mucho!

2 – Planea tu éxito. No te sientes a esperar a que los progresos lleguen solos. Sigue un plan de práctica diaria, cuida tu cuerpo, encuentra un buen profesor de canto, sé paciente contigo mismo/a y sé constante hasta obtener los resultados que deseas.

1 – Canta desde el alma. El canto es una de las mejores y más maravillosas oportunidades que tenemos en la vida para disfrutar, para conectar con nuestras emociones y expresarlas, para vivir experiencias, para conocer gente que comparte tus aficiones y, en definitiva, para ser un poquito más felices.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Os deseo un buen verano a todos y hasta pronto!

Manuel Edin

           ¡Muy buenas a todos! Hoy os traigo uno de esos artículos que, si bien en un principio pueden parecer que no guardan una relación directa con el canto, tarde o temprano nos damos cuenta de la ventaja que supone aplicarlo a dicho campo. El tema de hoy no es otro que las fases del aprendizaje. O, dicho de otro modo, esas etapas por las que pasamos cuando estamos intentando dominar una nueva disciplina. Antes de entrar en materia me gustaría subrayar la importancia de tener una actitud abierta al aprendizaje en todo momento. Quiero dejar esto claro: nadie va a aprender algo si está convencido de que no será capaz de hacerlo. Aclarado este punto, comenzaré a enumerar dichas fases poniendo por ejemplo a un jovencito al que cariñosamente llamaremos: el pequeño Timmy.

FASE 1: Incompetencia Inconsciente (No sé que no sé cantar). En esta fase se encuentran todas aquellas personas que no son consientes de todo lo que necesitan aprender si realmente quieren llegar a dominar una disciplina. Nuestro pequeño Timmy ignora su grado de maestría actual y suele pensar cosas como: “No lo hago tan mal..” o “Me defiendo bastante bien…” Por desgracia, y siento si esto ofende a alguno de mis lectores, esta es la fase en la que se encuentran los vocalistas de muchos de los grupos actuales que tanto escuchas por la radio.

FASE 2: Incompetencia Consciente (Sé que no sé cantar). El pequeño Timmy ya se ha apuntado a clases de canto y el profesor le ha explicado cómo funciona su instrumento y qué tiene que hacer para aprender a dominarlo. En esta fase es habitual sentir la sensación de no ser capaz, de que todo es demasiado complicado. El pequeño Timmy se siente torpe y se frustra si no le salen las cosas a la primera. Por desgracia, son muchos los que no pasan de esta fase pero… ¿sabes qué? Dicen que las dificultades son la forma que tiene la vida de separar a las personas que de verdad quieren hacer algo de las que simplemente dicen querer hacerlo.

FASE 3: Competencia Consciente (Sé que sé cantar). Por fin lo ha conseguido. Pese a que en ocasiones se ha sentido inseguro, frustrado y torpe,  el pequeño Timmy ha seguido practicando y finalmente ha llegado el momento de terminar una sesión de canto con una sonrisa de satisfacción en el rostro. Sin embargo, para que esta sensación se produzca, el pequeño Timmy debe mantener una atención plena en el proceso, cualquier distracción por su parte suele significar el acabar metiendo la pata, bloqueando los abdominales, produciendo un sonido estridente, etc. Es por esta razón que aún debe continuar practicando.

FASE 4: Competencia inconsciente (No sé que sé cantar). Han pasado los años y muchas cosas han cambiado en la vida de nuestro joven amigo: el pequeño Timmy. Sin embargo algo ha permanecido constante a lo largo de todos estos años: el canto. A pesar de las dificultades, Timmy ha respetado rigurosamente sus sesiones de ensayo y su entrenamiento diafragmático diario y, sin apenas darse cuenta, el canto ha pasado a ser algo natural en su vida. Cuando llegamos a esta fase, ya no necesitamos poner toda nuestra atención en lo que hacemos. Podría decirse que hemos conseguido automatizar las acciones necesarias para cantar correctamente. Cantar se ha convertido en un hábito, el proceso de aprendizaje ha terminado y es aquí cuando verdaderamente comenzamos a disfrutar del fruto de nuestro esfuerzo.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Os deseo un buen verano a todos y hasta pronto!

Manuel Edin

Créditos al autor de la foto del pequeño Timmy: <a href=”http://www.freepik.com”>Selected by freepik</a>

           ¡Muy buenas a todos! En esta décima lección, quiero daros algunos consejos que os ayudarán a optimizar los resultados de vuestras sesiones de ensayo. Pero antes de comenzar, me vais a permitir un pequeño paréntesis en el que me gustaría hablaros sobre por qué no es lo mismo practicar una hora al día que siete horas un día. Por alguna extraña razón, son muchos los cantantes que no practican regularmente. Quizás porque consideran que el canto es algo “natural”, como nadar o correr, algo que se hace fácilmente y en cualquier momento, por lo que practicar un día o dos debería ser suficiente. Y es cierto que esto es así para algunas personas pero no para la mayoría. Si lo que quieres es desarrollar tu talento y hacer justicia a la música, tendrás que dedicarle tanto tiempo y constancia como te sea posible. El objetivo de la práctica diaria es el pleno desarrollo de tu potencial y el perfeccionamiento de todos los detalles de la técnica vocal, de modo que en los ensayos, conciertos y grabaciones, los mecanismos de tu voz sean siempre de fiar. Y me gustaría terminar este paréntesis citando al célebre violinista Jascha Heifetz, el cual dijo:

“Si no practico un día lo noto yo; dos días, lo notan los críticos; tres días y lo nota todo el mundo”

           Dicho esto, os enumeraré una serie de normas que deberéis seguir si queréis sacar el mayor partido a vuestras sesiones de ensayo:

• Calentamiento: Como el cuerpo de un atleta, la voz ha de ser precalentada suavemente para que trabaje con el mejor rendimiento posible y no se vea dañada. Si cantas con energía a partir de un estado “frío”, especialmente en la zona de los agudos, producirás con toda seguridad un sonido áspero, crudo y poco refinado. Quince minutos de calentamiento lento, tranquilo y suave serán suficientes para evitar esto.

• No toques y cantes a la vez: Evita la tentación de sentarte ante el teclado o cualquier otro instrumento para acompañarte a ti mismo hasta que no domines la canción tanto con la voz como con dicho instrumento por separado.

• Párate en lo que no te sale: No tiene ningún sentido practicar una canción de principio a fin una y otra vez cuando probablemente el mayor problema de ésta se encuentre en apenas 10 o 15 segundos situados en un lugar muy concreto de la misma. No pierdas el tiempo estudiando lo que ya te sale bien y céntrate en repetir las partes problemáticas.

• Vigila la duración del ensayo: Sobre todo en el caso de principiantes y cantantes jóvenes, evita superar los 30 minutos por sesión de ensayo. Dicho tiempo no incluye, claro está, el calentamiento vocal ni diafragmático. Luego, la duración podrá irse incrementando de diez en diez minutos.

• Primero las notas bajas, luego las agudas: Comienza siempre a cantar canciones cómodas, situadas en la zona media y baja de tu registro vocal. Una vez sientas que dichas notas no te suponen ningún problema, ve pasando gradualmente a la parte superior de tu tesitura.

• Practica delante de un amigo o familiar de vez en cuando: Tus oídos pueden acostumbrarse a los pequeños fallos y dejar de tenerlos en cuenta. Por lo tanto, resulta muy aconsejable que alguien que no esté acostumbrado te escuche cantar ocasionalmente y te dé su opinión sincera. Siempre que sean críticas constructivas, esto nos ayudará a mejorar a mucha más velocidad que si únicamente practicásemos solos.

• No cantes con el estómago lleno: Si has comido hace poco, los músculos utilizados en la respiración no podrán moverse libremente. Aleja las sesiones de canto al menos una hora y media de la última comida.

• Primero estudia y luego canta: Lo que la mayoría de estudiantes de canto hace a la hora de estudiar una canción nueva suele ser coger la letra y empezar a cantarla de principio a fin una y otra vez hasta que se les pegue la melodía. Esto, con total seguridad, lo único que conseguirá será añadir malas costumbres, entonaciones erróneas y multitud de defectos vocales a nuestro tema, los cuales luego resultan extremadamente difíciles de quitar. En lugar de hacer esto, recomiendo sentaros con la letra por delante y la canción original de fondo y escucharla muchas veces, tomando nota de los puntos que encontréis mayor complejidad. A continuación, sugiero tararearla varias veces en voz baja, prestando especial atención a dónde se sitúan, para nosotros, los cambios entre voz de pecho, voz de cabeza y voz mixta. Únicamente después de haber hecho esto durante el tiempo suficiente, el cuál varía de una persona a otra, habrá llegado el momento de levantarnos y practicar el tema con normalidad.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un saludo y hasta pronto!

Manuel Edin

          ¡Muy buenas a todos! Algunas lecciones atrás os traje un artículo en el que os hablaba sobre los fallos vocales más frecuentes. En dicho artículo también prometí que seguiría hablando del tema en una segunda parte y, como soy un hombre de palabra, aquí os la traigo. Para todos los que no os hayais leído al primera parte de este artículo ¡por favor, pinchad aquí! Ahora sí, podemos proseguir.

FALLO 4: Volumen forzado. Especialmente en los hombres, existe una tendencia a intentar cantar sonidos más fuerte de los que estamos preparados para producir. Sucede mucho en las notas altas, en la música necesitada de mucha interpretación y cuando alguien está tratando de oírse a sí mismo entre el voluminoso sonido instrumental que le rodea. Este exceso de volumen produce un sonido rígido e incontrolado que puede causar un daño irreparable en las cuerdas vocales. Tenemos que concienciarnos de que hay un límite de decibelios que podemos producir con nuestro aparato vocal y que ni siquiera las voces más potentes pueden competir con la música amplificada. El único medio que tenemos los cantantes para sonar alto es mediante el máximo aprovechamiento del aparato resonador y del correcto apoyo del aire. Y todo esto tiene un límite. No trates de empujar a la fuerza el sonido para afuera ya que muy probablemente acabarás gritando la nota en cuestión en lugar de cantarla.

FALLO 5: El cambio de marcha. A todos los grandes pilotos le oirás decir que el secreto para ser un buen conductor está en la suavidad y la precisión del cambio de marchas. Pues en el canto podría decirse exactamente lo mismo. Digamos que los cambios de marcha en la conducción vendrían a sustituir a los cambios de registro o voces en el canto. Las notas altas deberían ir siempre con voz de cabeza y con el menor esfuerzo posible, mientras que las notas bajas trataremos de dotarlas de todo el cuerpo y presencia que podamos recurriendo a nuestra voz de pecho. Por último las notas medias corresponderán a la voz mixta y deberemos producirlas de forma suave y cómoda. Por supuesto estas directrices podrán no ser tomadas en cuenta si la interpretación lo requiere, pero deberían ser una máxima en el resto de casos. La solución a la mala precisión a la hora de cambiar de marcha consistirá en tomar consciencia de los límites de nuestras distintas voces y en discernir cuándo la emisión de una determinada nota nos está llevando a acumular tensión o a tener que forzar más de lo necesario. Una vez tengamos conocimiento de esto, sabremos qué deberíamos haber cambiado antes de llegar a ese punto.

FALLO 6: Posponer la inspiración. Sólo hay un lugar para que detengas el canto y respires, y ése es el lugar correcto, que viene determinado por la puntuación, el sentido de las palabras y la música. Del mismo modo que las palabras se agrupan en frases, por razones similares, la música se escribe en frases. Los letristas puntúan la fluencia de palabras, los buenos compositores escriben de acuerdo a ello y los cantantes debemos respetar el fraseado. La pérdida del aliento es la causa principal de que respiremos en el lugar erróneo, es una excusa comprensible pero, por desgracia, no es aceptable. Estudiad las canciones con la letra por delante y prestad especial atención a los signos de puntuación y al fraseado. Siguiendo este consejo y, por supuesto, entrenando las capacidades de tu diafragma correctamente, nunca más volveréis a tener este problema.

           Y esto ha sido todo por este mes. Espero que os haya resultado útil este artículo y que continuéis atentos a futuras entradas. ¡Un saludo y hasta pronto!

Manuel Edin